关于画画的尝试，第一个要回答的问题是： 为什么要画画 。
对于绘画这件事情的目的，解释的最清楚的是我最喜欢的作家阿兰德波顿在【旅行的艺术】中【对美的拥有】这一章表达的观点：绘画的不在于最终的结果，而是 借助绘画让自己观察世界 ，从而，用更抽象的话来描述，完成 对美的拥有 。
我们对于世界上的大多数的东西，都只会花很少的时间用眼睛扫一下，当我知道了这是街道，那是辆车，对面这个人还算好看，远处似乎有一片林子，也就是快速的完成了人脑的神经网络对世界进行抽象形成概念的工作后，就不再处理信息了。世界就这样的被我们 持续的忽略 。
比如，我面前的这个杯子，任何超过1分钟的注视，都会让人厌倦，甚至感觉怪异。但是，如果我拿起笔，准备画它的时候，10分钟的注视是至少的，甚至需要反反复复地，观察它的形状，杯壁上的花纹，把手是如何和杯子连在一起的，乃至投射在桌子上几乎无法分辨的阴影。我完成这个画作的过程，就是我 认真的欣赏这个物品 的过程，也是最深刻的了解，为什么这个杯子很漂亮的过程。
有一种完全让人练习跨越大脑的抽象过程，而把眼睛和手直接连接起来的绘画练习方法，或许比较容易让人了解到观察和绘画这两个过程的区别。
关于画画的第二个要回答的问题是： 画画的意义是什么 。
提供两个视角供大家参考：短期的视角看——为个人或群体提供情绪价值；长期的视角看——拓宽人类文明的边界。这几乎是读艺术到现在这么多年最为终极的总结了。
先来说说短期视角—— 艺术的意义是为个人或群体提供情绪价值。
但是如果我们把镜头拉远，艺术这个事情的价值就大多了—— 拓宽人类文明的边界。
首先一个问题：「所有古代文明留下来的瓶瓶罐罐，哪怕是平民做的粗糙手制品，为什么放进博物馆里都统称是艺术品？」
这个比较好理解，首先艺术是一种媒介，我们通过接触这个媒介，会产生各种反应，会赞叹，会同情，会愤怒，会不解，会激动，也可能会感伤， 无论艺术品以什么形式来表达呈现，最终只能在我们的内心泛起那么些波澜，艺术家在表达思想和情绪，观众也在感知艺术品带来的情绪冲击，这就是所谓的情绪价值。 这也侧面解答了审美也只是一种情绪价值的证明。
这个问题想通了，可能就大概能理解第二个视角了。
我们尝试从艺术的起源开始来说起：人类天生就有表达的欲望，看到光滑的山洞忍不住涂个鸦，进入开阔的草原忍不住吼一嗓，堆几个石头模拟昨晚见到的不知名动物——都是一种表达的欲望， 艺术大概就是在这样的欲望中不知不觉地产生的。
自从人类过了本能阶段开始跨入文明进程以来，艺术开始发挥真正的作用。早期文明的艺术大多数都是实用功能的，不论是表达宗教的信仰，还是描绘贵族的形象，呈现某个城市的雄伟，或是作为某个历史事件记录的载体，在早期99%都是文盲的社会中，图像是沟通成本较低的表达和沟通方式，所以艺术就是为了记录和形成共识而生的。
随着印刷术和文字和摄影技术的普及，艺术开始从「实用」转向「无用」，也就是艺术的表达可以不是基于某种实用的用途，而是仅仅作为一种表达的探索。用专业的词语就是「为艺术而艺术」。题主提到的「莫奈、梵高、毕加索」他们正是这个转型阶段的重要角色，可以说，他们革了以往艺术的命，艺术的世界，开始宽阔了起来，各种主义纷纷涌现，各种表达形式也一一被探索和定义成流派或画法，艺术形式的探索进入一个井喷期。
但物极必反，有一个发展脉络渐渐在多个流派交错的艺术史中浮现了出来——表达从具象到抽象转变，从复杂到概括。概括这种方法走到尽头，必然最后会变成一张白纸，于是绘画艺术的历史使命正式走到了尽头。
尽头以外的世界是什么？尽头以后的路要怎么走？
接着就是大家都看不懂的当代艺术登场，无论是影像艺术、装置艺术还是行为艺术，表达着费解的「观念」，艺术不再追求理解，变为探求一种可能性。
什么可能性？一种新的表达的可能性！
如果我们把现实世界理解成一张地图，我们所知道的一切认知就是这张地图的边界，那么当代艺术的价值，就是不断尝试，把这张地图的边界再拓宽一点点。
总有一种表达的方式，是你没看过的。总有一种思考的方式，是你没触及过的。
一旦这种可能性成立，人类文明的面貌，就会发生改变。
这就是艺术宏观的意义所在，无论时代如何发展，绘画也必不会消亡。
